Le Pavillon (Bèlgica)

Charlotte Benedetti es la directora de Le Pavillon, un nuevo espacio expositivo en Namur, Bélgica, dedicado a las culturas digitales y gestionado por la organización KIKK. Con formación en fotografía y un máster en gestión cultural, lleva más de quince años diseñando y coordinando exposiciones que conectan arte, ciencia y tecnología.

Participa regularmente en eventos públicos y lidera talleres, guiada por su pasión por contar historias a través del espacio y por su compromiso de hacer los museos y las exposiciones más inclusivos, innovadores y socialmente implicados.

Edwin van der Heide es artista, compositor e investigador en el ámbito del sonido, el espacio y la interacción. Su práctica amplía el lenguaje y la composición musical hacia direcciones espaciales, interactivas e interdisciplinarias. Su trabajo incluye instalaciones, performances y entornos inmersivos, donde el público está en el centro de la obra y es invitado a explorarla e interactuar activamente.

Ha presentado su obra en museos, festivales y centros de arte de gran renombre como el SMAK (Gante), Ars Electronica (Linz), Stedelijk Museum (Ámsterdam), DEAF/V2_ (Róterdam), ICC (Tokio), NAMOC (Pekín), Transmediale (Berlín), Sónar (Barcelona), Taipei Fine Arts Museum, SFMOMA, FILE (Brasil), MAXXI (Roma), SONAMBIENTE (Berlín), Museo Reina Sofía (Madrid), ZKM (Karlsruhe), Art Basel Parcours Night y Donaueschinger Musiktage.

Además de dirigir su propio estudio, es profesor e investigador a tiempo parcial en la Universidad de Leiden, dentro del Leiden Institute for Advanced Computer Science (LIACS) y del máster en Media Technology, así como en la Academy for Creative and Performing Arts (ACPA). De 1995 a 2016 fue docente y posteriormente co-director (2014-2016) de la Interfaculty ArtScience del Conservatorio Real y la Real Academia de Arte de La Haya. En 2009 fue profesor invitado Edgard Varèse en la Technische Universität de Berlín y recibió el premio Witteveen+Bos Art+Technology por el conjunto de su obra. También fue artista residente y profesor invitado en Le Fresnoy – Studio national des arts contemporains (Francia) durante el curso 2011-2012.

Onassis ONX (Onassis eXtended Realities) – (Grecia)

Heracles Papatheodorou es tecnólogo del diseño, creador digital, coordinador de proyectos y arquitecto con licencia profesional, establecido en Atenas, Grecia. Actualmente es Digital & Development Project Manager en la Fundación Onassis, donde colabora con artistas y pensadores como productor de programas públicos centrados en las artes digitales, la innovación y la transformación digital. Ha trabajado durante varios años tanto como arquitecto freelance como en startups de los ámbitos del diseño, la arquitectura y el desarrollo web.

Onassis ONX (Onassis eXtended Realities) es una plataforma global de arte en nuevos medios y cultura digital, donde las ideas creativas se entrelazan con tecnologías innovadoras para dar lugar a experiencias inmersivas. Iniciada en 2020 por Onassis Culture, el pilar cultural de la Fundación Onassis, cuenta con hubs creativos en Nueva York y Atenas, y ofrece a los artistas la oportunidad de crear con las tecnologías más avanzadas.

Como plataforma dinámica que impulsa el arte contemporáneo, Onassis ONX colabora con una red internacional de instituciones para favorecer circuitos sostenibles de producción y distribución de obras innovadoras. A través de alianzas con artistas y organizaciones punteras, la plataforma apoya la creatividad en ámbitos como la inteligencia artificial (IA), la realidad virtual (VR), la computación espacial y los medios nativamente digitales.

Isabel Archs es música, fotógrafa y productora musical freelance con base en Barcelona. Graduada en interpretación de violín por el Conservatorio Superior de Música del Liceo, con especialización en música clásica y contemporánea, ha sido galardonada con diversos premios nacionales e internacionales en música de cámara. Actualmente trabaja en los ámbitos de la música clásica y experimental, colaborando con distintos ensembles y orquestas.

Su investigación artística se centra en proyectos multidisciplinares como el proyecto Ölivias y producciones teatrales. Durante los últimos cuatro años, ha explorado artísticamente temas relacionados con la muerte y el duelo.

Fue seleccionada en la convocatoria CONFLUENCE CAT 2025 y realizó su residencia artística en Quebec, en los estudios de Avatar, entre enero y febrero de 2025.

Sismògraf (Olot)

Después de estudiar Humanidades y formarme en el ámbito del Arte Contemporáneo y la Pedagogía en Barcelona y Lisboa, inicié mi trayectoria profesional en Danza y Artes en Vivo en el Festival Sismògraf en 2018. Desde entonces, he participado en diferentes proyectos como gestora cultural tanto a nivel nacional como internacional, especializándome en proyectos de cooperación cultural y mediación de prácticas artísticas. Paralelamente al trabajo en equipamientos públicos, he colaborado con compañías como Las Huecas, Soren Evinson o Colectivo Llego Tarde. Actualmente formo parte del equipo artístico del Sismògraf y coordino el festival.

Lina Choi es una artista establecida en Montreal, originaria de Corea del Sur. Tiene un máster en Escultura por el Royal College of Art de Londres, Reino Unido. Su investigación artística explora los cuerpos de agua a través del sonido, centrando su atención en la imaginación sonora y la escucha corporal. Crea experiencias inmersivas y meditativas mediante la performance, la instalación y la composición sonora.

Fue seleccionada en la convocatoria CONFLUENCE QC 2025 y realizó su residencia en Cataluña entre junio y julio (L’Estruch, Sabadell y Eufònic, Terres de l’Ebre).

Su obra se ha presentado en varios espacios de Quebec —incluyendo OBORO, Centre Clark y DARE-DARE (Montreal), DAÏMÔN / Axenéo7 (Gatineau) y Est-Nord-Est (Saint-Jean-Port-Joli)—, así como en The Music Gallery de Toronto y en la Incheon Art Platform de Corea del Sur. Su próxima exposición individual tendrá lugar en L’Écart Lieu d’Art Actuel, en Rouyn-Noranda, en 2025.

Rencontres Audiovisuelles (Francia)

Marie Dumontier es coordinadora de proyectos de vídeo mapping en Rencontres Audiovisuelles (Francia). Inició su trayectoria profesional como traductora especializada en la industria audiovisual, y desde 2021 forma parte del equipo de Rencontres Audiovisuelles, primero como asistente de dirección y posteriormente como coordinadora de las actividades del Video Mapping European Center.

En su labor actual, coordina los encuentros profesionales del IBSIC y supervisa actividades de formación, residencias e investigación vinculadas al ámbito del vídeo mapping. Le apasionan especialmente los temas de inclusión, diversidad y ecología dentro de las artes digitales.

Núria Rovira Terradas es una artista de Valls que trabaja entre Cataluña e Inglaterra, especializada en investigaciones performativas y sonoras en zonas de presencias inestables: espacios que yuxtaponen ruinas con mutaciones ecológicas. El paisaje de la Bahía de Morecambe, cerca de donde cursó sus estudios de Bellas Artes en el norte de Inglaterra, alimentó su curiosidad por los espacios liminales: un desierto fangoso entre mareas que superponía simbolismos de ruralidad con actividad militar e industrial.

Esta investigación la ha llevado a zonas de aislamiento con formas de naturaleza extraña, como la isla de Walney, donde se producen submarinos nucleares; una celda de comisaría abandonada en Liverpool; o torres de campanario en Oxford, donde ha colaborado con restauradores de campanas. Ha sido artista residente en el Lancaster Data Science Institute (2021) y en Signal Film & Media (2022); fue seleccionada para participar en el taller de Shilpa Gupta en la Fundación Botín (2024) y recibió una beca del Arts Council England (2023) para desarrollar técnicas sonoras interactivas. En 2024 completó un máster de investigación en relatos de memoria material y sonora en la Universidad de Oxford.

Este año ha sido artista en residencia en Eufònic, seleccionada en la convocatoria de residencias artísticas Eufònic Lo Pati 2025, y presenta una instalación en la antigua farmacia Ferrer dentro de la programación de Eufònic 2025.

Solimán López es un artista conceptual español que trabaja en la intersección entre el arte, la ciencia, la tecnología y la transición ecológica. Es fundador del Harddiskmuseum, el biotoken OLEA y el movimiento Manifesto Terrícola, iniciativas que exploran las dimensiones digitales, biológicas y medioambientales de la sociedad contemporánea.

Como Director de Innovación en ESAT (Escuela Superior de Arte y Tecnología) de Valencia y Artista en Investigación en Pole Da Vinci (París), López expande constantemente los límites del arte de los nuevos medios y del arte biotecnológico. Sus proyectos recientes —como la colección fundacional Capside para el Museo Pineal (también fundado por él)— profundizan en la preservación del ADN ambiental y la fusión entre los mundos natural y digital.

Con instalaciones provocadoras, invita al espectador a reflexionar sobre la relación entre la humanidad, la tecnología y el futuro ecológico del planeta.

HERVISIONS (Londres)

Zaiba Jabbar es comisaria, educadora, directora premiada y fundadora de HERVISIONS (2015), una agencia comisarial, plataforma y estudio de arte digital con sede en Londres, centrada en mujeres y feminismos. HERVISIONS produce comisiones, exposiciones y eventos innovadores que exploran la intersección entre arte, tecnología y cultura.

Pionera en exposiciones de arte digital y realidad aumentada, Jabbar ha colaborado con instituciones de prestigio como Tate, Google Arts & Culture, arebyte, bitforms, Furtherfield y The Photographers’ Gallery, entre otras. Está comprometida con hacer que el arte sea más accesible más allá de los espacios tradicionales de galerías.

Thalia Escribano es una artista y creativa barcelonesa especializada en diseño audiovisual y técnicas de mixed media. Su trabajo se caracteriza por la creación de imaginarios visuales en 3D que fusionan naturaleza y tecnología con un enfoque poético e introspectivo. A través de formas orgánicas y texturas digitales, explora temas como la identidad, la conexión con el entorno y la belleza de lo intangible. Su obra transita entre la fotografía, el vídeo y el diseño gráfico, transformando lo cotidiano en mundos mágicos y surrealistas.

Tanja Sæter es artista visual, vidriera y comisaria, nacida entre Noruega y Trinidad, y establecida en Oslo. En 2015 fundó Coast Contemporary, una plataforma artística que promueve el diálogo y la colaboración transnacional entre artistas e instituciones, con un fuerte componente activista. Ha comisariado todas las ediciones del proyecto (2017–2023), a menudo poniendo el foco en los puntos ciegos del mundo del arte. Comprometida con la economía artística, ha trabajado activamente en sindicatos para mejorar los derechos sociales y laborales de los artistas.

IF Barcelona

Licenciada en Dirección Escénica e Historia del Arte. Master en Arte. Práctica Teatral por Rose Bruford College. Ha completado su formación con numerosos cursos y seminarios relacionados con las distintas disciplinas del arte, la tecnología aplicada a la imagen y la gestión y producción cultural. Como extensión a su trabajo como dramaturga y creadora en artes escénicas, ha realizado incursiones en el campo de la instalación y el montaje multimedia y tiene una larga experiencia en comisariado, producción, gestión y coordinación cultural, diseño y dirección artística de eventos y exposiciones. Actualmente se encarga de dirección ejecutiva de CLUB9, plataforma y productora de proyectos artísticos relacionados con las prácticas performáticas y los estudios de la performatividad, es directora y co-curadora (junto a Jordi Alomar) del Festival de Títeres, Objetos y Teatro Visual IF Barcelona y cocuradora (junto Graner, Fabrica de Creació) /coordinadora artística del festival de danza y movimiento Moujuïc, Barcelona (2023-2024).

Como creadora ha presentado su trabajo en contextos como Black Box (Oslo, Noruega), The Fringe Festival (New York , USA), Feria Internacional ZAPOPUM (Guadalajara, México), Stamsund International Theatre Festival (Noruega), Teatre op de Markt (Hasselt, Bélgica), Festival Internacional de Melbourne (Australia), Fira de Tárrega (Cataluña), Yun-Lin Arts Festival (Taiwan), FIA, Festival Internacional de Costa Rica (san José, CR) o Altofest (Nápoles, Italia).

Maria Canelles ha estado siempre vinculada al mundo de la cultura, con una trayectoria que atraviesa la literatura, el teatro y la educación. Licenciada en Humanidades y en Teoría de la Literatura y Literatura Comparada, y con un máster en Estudios Teatrales, ha ejercido como crítica literaria y teatral, docente, librera y colaboradora en diversos proyectos culturales. Ha formado parte de iniciativas como Tantàgora o Els Pirates Teatre, siempre desde un compromiso activo con la difusión cultural. Actualmente trabaja en la Fundació Joan Brossa, donde coordina exposiciones, programas públicos y actividades culturales. También escribe, y mantiene viva la lectura con la pasión de quien sabe que nunca es suficiente.

Tabakalera (Donostia / San Sebastián)

Clara Montero es historiadora del arte y directora cultural de Tabakalera, Centro Internacional de Cultura Contemporánea de San Sebastián. Se formó en Historia del Arte, Psicología y Pedagogía en la Universidad de Frankfurt, donde también trabajó como tutora. Su trayectoria profesional comenzó en galerías de arte en Zúrich, y en 2008 regresó a San Sebastián para sumarse al proyecto de Tabakalera.

En 2012 fue nombrada directora de promoción cultural del Gobierno Vasco, desde donde impulsó políticas públicas en el ámbito de las industrias culturales y formó parte de los órganos de gobierno de las principales instituciones culturales vascas, como el Festival de Cine de San Sebastián, la Filmoteca Vasca o la Capital Europea de la Cultura Donostia 2016.

Actualmente lidera la dirección cultural de Tabakalera, desde donde promueve la creación contemporánea, el pensamiento crítico y la conexión con el territorio.

Maria Camila Sanjinés es una artista colombiana establecida en Cataluña que trabaja entre las artes plásticas, la investigación cultural y la acción pedagógica. Su práctica interdisciplinaria combina cerámica, paisaje sonoro, performance y artes vivas para explorar temas como la memoria, el territorio y la migración. A través de cartografías sensibles y acciones colectivas, Sanjinés construye relatos que conectan cuerpo, comunidad e identidad, ofreciendo una mirada crítica y poética sobre el espacio que habitamos.

Cecilia Martín es estratega de marca especializada en arte y cultura, y fundadora de Culture Connects (CC). Con más de 20 años de experiencia, ayuda a organizaciones culturales a conectar con sus audiencias de formas innovadoras y con propósito.
Su trabajo abarca orquestas, museos e instituciones culturales de todo el mundo, siempre promoviendo la creatividad, la cultura digital, la tecnología y el poder de la voz. Cecilia ha liderado estrategias de marca transformadoras y campañas para instituciones como Art Fund – Art Assembly, el Museo Nacional de Culturas del Mundo, el Museo de Etnografía de Ginebra, Museumvereniging, el Instituto Internacional de Estudios Asiáticos, osloBIENNALEN, Wiener Konzerthaus, el Museo de Arte de Filadelfia, LAS Art Foundation, el Instituto Cultural del King’s College, British Council Creative Economy, CulturAL, la Iniciativa Global Guggenheim UBS MAP, la Berliner Philharmoniker y la Philharmonie Luxembourg, entre muchas otras.
Cecilia enseña regularmente branding y participación de audiencias en universidades como el Royal College of Art, Central Saint Martins, la Universidad de Barcelona – IL3 e ICOM. Es una pensadora audaz y facilitadora inspiradora, ponente habitual en innovación y líder de talleres en foros internacionales como VLOW!, Design Indaba, Sónar+D, Transform, Museum Forward y Communicating the Arts. También es autora de investigaciones pioneras sobre audiencias, como Millennials: la fuerza impulsora de la innovación y #Staysocial.